Note d’intention

L’écriture de Nos corps désirants puise dans le terreau de la chanson française, de l’histoire de l’art, et de la littérature pour construire une partition mémorielle tissée de bribes éparses. C’est un premier geste pour mieux reconfigurer, changer de regard et mettre en question ce dont nous héritons.

Nos inconscients collectifs sont pétris par les chansons que l’on fredonne sans y penser depuis toujours. Comme des vers d’oreilles, elles s’immiscent en nous et colonisent nos imaginaires. L’air de rien. En compilant les paroles de ces chansons populaires autour de l’amour et du désir, nous sommes frappés par l’idéologie que nombre d’entre elles véhiculent et qui nous façonnent : l’obsession jusqu’à la réification du corps féminin, l’expression réitéré du désir de viol, d’inceste, de pédophilie, et nombre de fantasmes problématiques.

[...] Les paroles de ces chansons, montées, réagencées et dissociées de la musique, serviront de matière textuelle pour les interprètes au plateau. Nous donnons ainsi à entendre autrement ce que l’on n’écoute plus forcément et qui nous imprègne pourtant depuis toujours, charriant imageries et fantasmes.

Nous prendrons également appui tout au long du spectacle sur un imaginaire pictural. De Fragonard aux surréalistes, de Bosch à Picasso, de Léonard de Vinci à Bacon, la peinture a fait des corps et du désir son sujet central. Chaque séquence du spectacle sera "jumelée" à une iconographie du désir à travers une série de tableaux source ; et chaque interprète construira de même sa partition à partir d’un corpus d’œuvres qui l’inspirera de façon transversale et presque fantomatique.

Ces œuvres picturales sont intrinsèquement liées à des récits mythologiques et bibliques comme à une tradition littéraire dont nous reparcourons aussi la mémoire dans les corps. Servant de sous-texte aux interprètes, ces récits – d’Ovide à Choderlos de Laclos en passant par Duras –complètent la trame mémorielle qui se dessine au plateau. Tous ces matériaux sont dans un premier temps comme répertoriés et dépliés sur le plateau par les interprètes. Mis en jeu d’abord de façon silencieuse au plateau, ils ouvrent la voie dans la suite du spectacle à différentes reconfigurations et à tout un questionnement sur le traitement des œuvres du passé (par un débat autour des enjeux de la « cancel culture »).

Nous avons fait le choix d’associer le chorégraphe et danseur Sylvain Huc à la création du spectacle. Il s’agit de chercher des traductions sensorielles du désir, par le mouvement, l’interaction des corps, pour ouvrir la perception à tous les petits gestes qui construisent la relation d’un corps à et sur l’autre ; car en tant que pulsion vitale première, le désir est peut-être à l’origine de la mise en mouvement qui nous pousse les uns vers les autres et nous met littéralement hors de nous. Ensemble, nous traquerons le trouble et le non-normatif de chaque situation pour nourrir un univers onirique fait de frottements et de fantasmagories.

La place laissée à l’expression des corps déplace aussi le langage verbal à un autre niveau. Quasi absente de toute la première partie du spectacle, la parole surgit dans un second temps, pour dire ce qui était tu. C’est par là aussi une façon de dire combien le silence blesse, enferme et isole, et inhibe le désir.

Il s’agit d’essayer au fond de mettre à plat nos grilles de lecture, de les rejouer, de les déjouer, de les faire jouer pour comprendre comment un corps peut se libérer des désirs qu’on lui impose, dont il hérite ou qu’on a imaginé pour lui. Se mouvoir, danser, vibrer hors des idées toutes faites ; rendre à nos corps leur possibilité d’invention hors de toute la pornographie qu’on pourrait nous vendre. C’est un programme esthétique et politique.