Il y a 30 ans la compagnie Rosas s’est fait un nom avec le spectacle Rosas danst rosas. Depuis, la chorégraphie a été présentée dans le monde entier. Pour ce trentième anniversaire, Rosas a mis sur pied le projet Re:rosas, invitant chacun à créer sa propre version de la célèbre scène de danse sur les chaises et à poster sa vidéo sur le site de la compagnie. Plus de 1500 personnes se sont lancées dans l’aventure, en solo, duo ou en groupe. Les films sont parvenus des quatre coins du monde, d’Ottawa à Bahia en passant par Manille et Shanghai... et grâce à vous, bientôt de Pau ! La danseuse Marta Coronado accompagne les stagiaires lors d’un workshop dont le résultat sera filmé et mis en ligne sur le site de Rosas.

A l’issue de la formation P.A.R.T.S. à Bruxelles, Marta Coronado intègre la Compagnie Rosas en 1998, participant aux créations de nombreuses pièces dont Drumming et Rain.

« Comment composer une fiction à partir de sa propre histoire ? À partir de quand l’utilisation de soi pour créer cesse d’être exclusivement narcissique ? Tout peut-il faire fiction ? À travers une série d’exercices d’écriture et d’improvisation autour de l’autoportrait, nous travaillerons à créer une série de très courtes formes théâtrales sur une journée. » David Geselson

David Geselson a été formé à l’École du Théâtre national de Chaillot et au Conservatoire National Supérieur d’Art Dramatique de Paris. Au théâtre, il a joué entre autres sous la direction de Tiago Rodrigues dans Bovary, présenté la saison dernière à Pau. En 2009, il crée la compagnie Lieux-Dits, qui a pour vocation de travailler sur l’écriture contemporaine et les processus de création théâtrale.

Tatiana Frolova est metteuse en scène du Théâtre knam à Komsomolsk-sur-l’Amour, un des premiers théâtres indépendants de Russie. Accompagnée de son interprète Bleuenn Isambard, elle propose aux stagiaires de découvrir par la pratique sa conception du théâtre documentaire qu’elle associe volontiers sur scène à d’autres médias artistiques, en particulier la vidéo… En lien avec son spectacle Je n’ai pas encore commencé à vivre.

« À l’attention de ceux qui vivent encore ».
Qu’a t-on à dire aux vivants qui ne puisse attendre ? Qu’auraient-ils à nous dire, les morts, à nous proférer, à nous confier, s’ils étaient, un instant, en capacité de venir nous parler à l’oreille ? Qu’est-ce qui subsiste de nous quand notre chair, irrémédiablement, se dégrade ? Comment faire œuvre de mémoire ? Comment laisser sa trace ?
Écrire pour le théâtre ou la danse suppose que l’on pense en termes d’oralité, de mouvements, de corps portant une parole ou/et d’une parole soutenant un corps. Grâce à divers exercices d’écriture et de plateau - improvisations dansées, moments d’écritures en lien avec celles-ci, « traduction » du mot, de la phrase, d’un récit par le corps et inversement, travail de chœur, etc. - nous éprouverons les rapports nécessaires qui existent et émergent entre les mots et les gestes.
Aucun niveau d’écriture n’est exigé, simplement le plaisir de déceler ensemble les échos entre la lettre et le mouvement.
Gilles Baron & Adrien Cornaggia

Gaga est un langage gestuel développé par le chorégraphe israélien Ohad Naharin et qui constitue l’entraînement quotidien des danseurs de la Batsheva Dance Company. Cette pratique explore le mouvement instinctif et connecte mouvements conscients et inconscients. Les cours de Gaga/danseurs sont enseignés par des danseurs qui ont travaillé de près avec Ohad Naharin. Le professeur guide les participants en utilisant une série d’instructions évocatrices, offrant un cadre créatif qui permet de se connecter à son corps et à son imaginaire, d’augmenter sa conscience physique et d’expérimenter le plaisir du mouvement. En seconde partie, un temps est dédié à un travail sur le répertoire. Le workshop Gaga/ danseurs est ouvert aux amateurs confirmés ainsi qu’aux professionnels.

« Si vous avez un jour voulu écrire une lettre à quelqu’un de cher sans jamais le faire, parce que vous n’avez pas osé, pas su, pas pu, ou pas réussi à aller jusqu’au bout, racontez-la-moi et je l’écris pour vous. Nous passerons 35 minutes ensemble pendant lesquels vous me raconterez cette lettre non-écrite. Je passerai ensuite 45 minutes à l’écrire pour vous. Une fois la lettre écrite, je vous la lirai. Si elle vous convient vous pourrez la garder (sous quelque forme que ce soit), et si non, je l’effacerai et n’en garderai pas trace. Enfin, si elle vous convient et que vous acceptez j’en ferai peut-être quelque chose sur un plateau de théâtre, étant entendu que toutes les lettres seront rendues totalement anonymes. Les sessions d’écriture auront lieu sur une journée. Puis en début de soirée nous préparerons avec une partie de l’équipe de la compagnie Lieux-Dits une forme théâtrale construite à partir de ces lettres non-écrites. »
David Geselson

Ce temps de stage mené par Max Fossati, interprète pour le CCN de Caen, permet d’explorer les modalités de relation entre la danse et la musique exploités dans le spectacle Fix Me. Les stagiaires découvrent certains procédés chorégraphiques qui fondent la démarche d’Alban Richard et abordent les matériaux sources propres à Fix Me. À partir des matériaux sonores de la pièce (discours politiques, chansons de hip hop féministes, prêches américains) et de la musique d’Arnaud Rebotini, Max Fossati leur fait partager l’univers gestuel de la pièce. Ils observent et éprouvent ainsi les relations de pouvoir entre la danse et la musique. Max Fossati a suivi les formations supérieures du CNDC d’Angers puis celles du CCN de Montpellier. Il participe depuis 2002 aux projets d’Alban Richard en tant qu’interprète principalement mais aussi en tant qu’assistant chorégraphique.

Dans sa pièce Trottoir, Volmir Cordeiro explore le potentiel créateur et libérateur de la joie. Il tente de faire perdurer l’énergie qui nous entraîne à travers la fête vers la danse, vers un épanouissement à la fois personnel et collectif. Lors de ce workshop, Volmir Cordeiro propose de partager les sources de Trottoir ainsi que les étapes de fabrication de sa danse. Cet échange est traversé par des temps d’exploration de pratiques découvertes lors du processus de création de Trottoir. D’abord formé au théâtre, Volmir Cordeiro intègre la formation Essais en 2011 au cndc d’Angers – direction Emmanuelle Huynh. Entre 2017 et 2019, il est artiste associé au Centre National de la Danse (cnd) à Pantin. Il enseigne régulièrement dans des écoles de formation chorégraphique telles que le Master Exerce (ici-ccn Montpellier, France) et Master Drama (Kask, Gand, Belgique).

Véritable gospel dansé, né au début des années 1990, le krump est un exercice subtil de contrôle des énergies, retour à son intériorité, entre lâcher-prise, contrôle et isolation du mouvement, de l’impulse à l’impact. Nach enrichit son propre krump d’autres inspirations : le flamenco, le butō, le kathakali... Au gré de son parcours, de ses voyages et de ses inspirations, la chorégraphe continue de façonner sa propre gestuelle qu’elle partage dans ce workshop. Les participants intègrent les bases de la danse krump (Stomps / Chest- Pop / Arms swing, Jabs) afin d’apprendre à incarner le personnage krump. Grâce à des exercices de danse contact et d’improvisation, des textures de mouvements seront expérimentées, des chemins de corps empruntés, afin de nourrir son vocabulaire pour raconter son histoire avec sincérité.

Audrey Bonnet, artiste associée au Théâtre National de Strasbourg depuis 2014, a été élève au Conservatoire National Supérieur d’Art Dramatique de Paris et pensionnaire de La Comédie française. Depuis sa rencontre avec Pascal Rambert, elle participe à la plupart de ses projets : Le début de l’A, Clôture de l’amour, Répétition, Actrice, Soeurs (Marina & Audrey), Architecture et la création 3 annonciations. Elle propose lors de ce workshop d’expérimenter avec les participants un travail sur l’engagement et la présence du comédien, qui est au cœur de sa collaboration avec Pascal Rambert.

Collaborateur de longue date du chorégraphe Vincent Thomasset et interprète de la pièce Transversari, le danseur Lorenzo De Angelis propose d’explorer le dispositif de cette pièce qui s’intéresse à la manière dont le flux des images auquel nous sommes soumis en permanence traverse le corps et opère sur le mouvement et la posture une série de métamorphoses. Lorenzo De Angelis commence ses études chorégraphiques en 2004 au cdc Toulouse, puis au cndc d’Angers (Direction Emmanuelle Huynh). Depuis il a été interprète pour Pascal Rambert, Alain Buffard, Yves-Noël Genod, Fabrice Lambert, Vincent Thomasset, Marlene Monteiro Freitas, David Wampach… En parallèle il développe son travail de performance et mise en scène.

D’où naît le récit ? Comment travailler sa curiosité, son regard sur le monde pour ouvrir l’imaginaire et en faire une fiction ? Comment rapprocher le théâtre de l’intime, ce qui se cache dans notre coeur et peut devenir une Histoire ? À partir d’improvisations guidées et au moyen de téléphones portables pour enregistrer des prises de paroles en direct, Delphine Hecquet s’amuse à chercher comment déclencher les imaginaires pour écrire puis jouer. Le stage proposé est en lien avec Parloir (29 mars), pièce dans laquelle la parole a valeur de consolation et d’exutoire. Delphine Hecquet a été formée au conservatoire National supérieur d’Art dramatique de Paris. Comédienne, auteure et metteuse en scène, elle a monté sa compagnie Magique-Circonstancielle en 2014 et est artiste associée à la Comédiecdn de Reims ainsi qu’au cdn de Poitiers. La pièce Parloir sera créée à la Scène Nationale du Sud Aquitain à Bayonne en février 2022.

Bouchra Ouizguen invite le public à découvrir le travail de la Compagnie O, compagnie marocaine de danse contemporaine basée à Marrakech, à travers un atelier mené collectivement par la compagnie. Seront proposées des pistes qui guident leur travail d’improvisation. La compagnie incite également à goûter à différentes danses marocaines qui appartiennent culturellement à plusieurs régions du sud du Maroc. Danseuse chorégraphe marocaine, Bouchra Ouizguen vit et travaille à Marrakech où elle s’est engagée dans le développement d’une scène chorégraphique locale depuis 1998. Danseuse autodidacte dès l’âge de 16 ans, elle créé des pièces nourries par ses intérêts pour la musique, la littérature et les arts visuels au côté d’artistes chanteuses et musiciennes issues de la tradition populaire du sud du Maroc.

Férue d’écriture et de littérature, Isabelle Lafon a réalisé et mis en scène de nombreuses adaptations : La Marquise de M*** d’après Crébillon fils, Igishanga d’après Dans le nu de la vie de Jean Hatzfeld, Journal d’une autre d’après Notes sur Akhmatova de Lydia Tchoukovskaïa, Une Mouette d’après La Mouette de Tchekhov. Depuis, elle a créé Deux ampoules sur cinq, Nous demeurons et L’Opoponax de Monique Wittig, Let me try d’après le journal de Virginia Woolf. Enfin, elle a mis en scène, en janvier 2019, Bérénice de Racine au Théâtre Gérard Philipe à Saint-Denis et créé Vues Lumière en mai 2019 au Théâtre national de La Colline. Également pédagogue, elle dirige de nombreux ateliers auprès de publics amateurs et professionnels, notamment à l’école du Théâtre national de Bretagne, à l’Académie Fratellini ou encore à La Maison des Métallos et au Conservatoire National supérieur d’Art Dramatique de Paris. En lien avec sa dernière création Les Imprudents, elle propose un stage de pratique théâtrale.

Emmanuelle Huynh propose aux stagiaires de s’appuyer sur les sources de sa pièce Tôzai !... à travers des questions : que se passe-t-il avant l’entrée en scène, avant l’événement ? Quelle danse se trouve nichée, pliée dans les rideaux avant que le spectacle ne commence ? Quelle danse permet à la danse d’émerger ? Ce stage aborde également la figure sacrale du Sambaso, associée aux forces du perpétuel recommencement de la vie et enfin traverse les danses qui ont nourri le travail (Isadora Duncan, Joséphine Baker, Garth Fagen, Impekoven, Hijikata…).

Chorégraphe et danseuse, Emmanuelle Huynh explore à travers ses pièces la relation avec la littérature, la musique, la lumière et l’architecture. Elle développe également depuis une quinzaine d’années un travail pédagogique en direction des écoles d’art et des lieux de formation pour danseurs.

Ateliers libres avec Jacques Bonnaffé ou Grégoire Monsaingeon, comédiens de la pièce Bovary (15 et 16 février).
Le principe est simple : chacun des deux comédiens arrive avec ses propres envies de travail, son univers, pour proposer un atelier de 3h aux amateurs présents. A vous de choisir qui vous souhaitez suivre pour un moment d’expérimentation théâtrale convivial.
Au théâtre, Jacques Bonnaffé travaille notamment sous la direction de Christian Schiaretti, Alain Françon, Didier Bezace, Jean-Pierre Vincent, Joël Jouanneau, Denis Podalydès... Metteur en scène, il consacre une part importante de son travail à la poésie et aux lectures publiques d’auteurs contemporains.
Grégoire Monsaingeon est issu du Conservatoire supérieur d’Art dramatique de Paris. Il a travaillé sous la direction de Laurent Fréchuret, Michel Raskine, Christophe Perton, entre autres. Intimement lié au travail de Gwenaël Morin, il joue dans plusieurs de ses créations.

Daniel Linehan, chorégraphe américain basé à Bruxelles, aborde la création du point de vue de l’amateur curieux, en testant les nombreuses interactions entre la danse et les formes de nondanse, à la recherche d’improbables conjonctions, juxtapositions et parallèles entre textes, mouvements, images, chansons, vidéos et rythmes. Pour sa dernière création, dbddbb, Linehan explore la relation entre mouvement et voix en combinant la marche et ses formes multiples avec de la poésie sonore inspirée du dadaïsme. Pendant le stage, il partage le matériel à la base du processus de création de dbddbb et explore avec les participants différentes méthodes de travail autour de ces pratiques afin de générer du matériel de performance, circulant librement entre différents registres scéniques, travaillant sur les jeux, les actions, l’improvisation, la mémorisation des mouvements, les partitions vocales et les compositions rythmiques.

Bouchra Ouizguen invite le public à découvrir le travail de la Compagnie O, compagnie marocaine de danse contemporaine basée à Marrakech, à travers un atelier mené collectivement par toute la compagnie. Seront proposées des pistes qui guident leur travail d’improvisation. La compagnie propose également de goûter à différentes danses marocaines qui appartiennent culturellement à plusieurs régions du sud du Maroc. Danseuse chorégraphe marocaine, Bouchra Ouizguen vit et travaille à Marrakech où elle s’est engagée dans le développement d’une scène chorégraphique locale depuis 1998. Autodidacte et danseuse orientale dès l’âge de 16 ans, elle crée de premières pièces expérimentales nourries par ses intérêts pour le cinéma, le silence, la littérature, la lumière, la musique, la mort avant de fonder la Compagnie O en 2010. Elle collabore notamment avec Mathilde Monnier, Bernardo Montet, Boris Charmatz.

En présentant ses recherches et ses outils de travail, et en invitant les participants de l’atelier à s’en emparer, l’encyclopédie de la parole souhaite partager et nourrir ses réflexions sur l’oralité. Les participants sont invités à travailler à partir de documents de paroles enregistrées et à les reproduire au plus près. C’est-à-dire, ne pas jouer des situations ou imiter des individus, encore moins incarner des personnages, mais traiter musicalement chaque parole enregistrée, dans la richesse et la complexité de ses intonations, de son rythme, de ses jeux d’adresses, de ses mouvements et hésitations réelles. Ainsi, les participants travailleront à faire apparaître situations et contextes, à travers le seul jeu des voix.

Le circassien, danseur et performeur Claudio Stellato propose autour de la cosa (lundi 22 et mardi 23 mai) un atelier de manipulation/construction à partir des pièces de bois utilisées dans son spectacle. Amateur d’expériences physiques intenses, Claudio Stellato s’efforce de ne plus « danser », mais de se déplacer et d’appréhender l’espace d’une façon énergique en travaillant sur la vitesse et la puissance. Les improvisations et exercices qu’il développe se complètent pour lui permettre d’atteindre des moments de pure inconscience et des états de corps instinctifs. Artiste pluridisciplinaire, Claudio Stellato vit et travaille à Bruxelles. Formé au théâtre et au cirque, il intègre en 2001 le Lido, Centre des Arts du Cirque de Toulouse. Entre 2004 et 2014, il est danseur pour différentes compagnies : Cie Kdanse, Olivier Py, Roberto Olivan, Cie Arcat, Fré Werbrouck, Karine Pontiès, la Cridacompany et L.O.D, entre autres. Parallèlement à ses créations, il est regard extérieur sur plusieurs projets. Il donne également régulièrement des workshops.

Le chorégraphe Hervé Robbe propose un stage de danse axé sur la composition à partir des matériaux exploités pour le spectacle A New Landscape, c’est-à-dire, son propre répertoire chorégraphique. Il aborde tout d’abord une suite d’exercices traversés dans la conscience de ses sensations et un éveil articulaire stimulant l’analyse du mouvement : un processus qui enrichit notre compréhension du geste, élargit notre capacité de mémorisation. Suit un atelier de composition qui revisite des matériaux chorégraphiques du répertoire remis en jeux. Parallèlement à des études d’architecture, Hervé Robbe a été formé à Mudra, l’école de Maurice Béjart à Bruxelles. Sa démarche artistique s’est nourrie et a questionné les enjeux corporels et esthétiques de la modernité et de la postmodernité en danse. Il est directeur artistique du Programme Recherche et Composition Chorégraphiques à la Fondation Royaumont depuis avril 2013 et artiste associé au CNDC d’Angers depuis janvier 2017.

La chorégraphe irlandaise Oona Doherty propose régulièrement des ateliers autour de la théâtralité du mouvement, destinés aussi bien aux comédiens qu’aux danseurs. A travers des techniques qui développent le lâcher prise, elle permet à chacun d’exploiter sa propre créativité. Enseignante en plus d’être chorégraphe, elle témoigne d’une formidable énergie, d’un enthousiasme communicatif, d’une passion sans borne pour le réel qui l’entoure, ces gestes, ces êtres qui croisent sa route. Amoureuse de l’humain, elle en aborde les facettes disparates pour y déceler un fil directeur, une cohérence, une raison d’être. Pluralité demeure son mot d’ordre, puissance et enthousiasme son ressort créatif, amour le fil sur lequel elle évolue dans un perpétuel effet d’eurythmie étourdissant et radieux.

Le chorégraphe Lorenzo De Angelis invite les stagiaires à explorer le dispositif de la pièce Haltérophile et les principes qui la sous-tendent. Comment s’exposer, s’offrir, faire don dans la simplicité d’un geste, d’un regard, dans un positionnement face à l’autre totalement assumé ? Il s’agit d’aller à la recherche de zones de partage inédites, au de-là du comportement social. Il s’agit aussi d’aller dans l’infiniment petit du spectacle et de l’émotion. Lorenzo De Angelis commence ses études chorégraphiques en 2004 au CDC – Toulouse, puis au CNDC d’Angers – Direction Emmanuelle Huynh. Depuis, il a été interprète pour Pascal Rambert, Alain Buffard, Youn Soon Cho Jacquet, Yves-Noel Genod, Fabrice Lambert, Vincent Thomasset, Marlene Monteiro Freitas... En parallèle, il crée une série d’installations culinaires.

Après des études littéraires à Grenoble, Vincent Thomasset travaille en tant qu’interprète avec différents metteurs en scène dont Pascal Rambert. En 2007, il intègre la formation Ex.e.r.ce au Centre chorégraphique national de Montpellier. En compagnie du danseur et performeur Lorenzo de Angelis, accueilli la saison dernière pour Haltérophile, il propose d’explorer le dispositif de sa pièce Ensemble Ensemble, pièce sur le dialogue et la parole. Le stage s’articule autour de deux axes : un partage de principes permettant de bouger, travailler avec son corps, sans besoin d’une formation de danseur. Le travail se fera dans différents endroits (bureaux, couloirs, salle, gradin, extérieurs), afin d’explorer la notion d’espace. Dans un deuxième temps, les stagiaires éprouveront des principes à l’œuvre dans Ensemble Ensemble : celui du doublage en direct (une personne parle hors-champs, une autre doit donner corps à cette voix) et divers procédés autour des gestes de la parole.

L’objectif de ce stage est de retourner au corps et à ses sensations, de faire vivre nos intériorités et nos « personnages », en dansant une situation, un sentiment, une attitude… Nach propose aux stagiaires une exploration du mouvement, un travail d’écriture et de laboratoire autour des chemins et qualités du krump : urgence de la prise de parole, hautes énergies et contrôle du mouvement. Ce stage s’adresse aussi bien aux comédiens amateurs qu’aux danseurs tous niveaux désireux de découvrir la pratique du krump et surtout de travailler autour du personnage krump, de l’incarnation. En toute simplicité et sans prérequis, il s’agit de construire un récit dansé en s’appropriant les bases et le langage krump.

La danseuse et chorégraphe Oona Doherty propose aux stagiaires d’explorer la matière chorégraphique développée dans sa dernière création Lady Magma. Son travail porte sur une recherche du mouvement organique, qui puise dans les ressources subjectives et émotionnelles de chacun. Sa danse constitue un appel à l’imaginaire. Enseignante en plus d’être chorégraphe, elle témoigne d’une formidable énergie, d’un enthousiasme communicatif, d’une passion sans borne pour le réel qui l’entoure. En témoigneront celles et ceux qui l’ont croisée lors de sa venue la saison dernière : sa puissance radieuse et son enthousiasme sans mesure savent remporter l’adhésion de tous.

Flora Détraz se forme en danse classique et suit des études littéraires (classes préparatoires et licence de lettres modernes) avant d’intégrer la formation du Centre Chorégraphique National de Rillieux-la-pape, dirigée par Maguy Marin. Elle poursuit sa formation au sein du cycle de recherches chorégraphiques PEPCC, Forum Dança, à Lisbonne. Au cours de son parcours, elle a l’occasion de rencontrer, entre autres, Marlene Monteiro Freitas, Meredith Monk, Meg Stuart, Vera Mantero, Lia Rodrigues, qui influencent sa propre recherche. L’atelier est une invitation à explorer le lien entre la voix et le mouvement. Dans une atmosphère relaxante et joyeuse, les participants plongent dans les notions de figure, d’état de corps et de dissociation.

Véritable gospel dansé, né au début des années 1990, le krump est un exercice subtil de contrôle des énergies, retour à son intériorité, entre lâcher-prise, contrôle et isolation du mouvement, de l’impulse à l’impact. Nach enrichit son propre krump d’autres inspirations : le Flamenco, le Butô, le Kathakali... Au gré de son parcours, de ses voyages et de ses inspirations, la chorégraphe continue de façonner sa propre gestuelle qu’elle partage dans ce workshop. Les participants intègrent les bases de la danse krump (Stomps / Chest-Pop / Arms swing, Jabs) afin d’apprendre à incarner le personnage Krump. Grâce à des exercices de danse contact et d’improvisation, des textures de mouvements seront expérimentées, des chemins de corps empruntés, afin de nourrir son vocabulaire pour raconter son histoire avec sincérité.

Dans sa pièce Trottoir, Volmir Cordeiro explore le potentiel créateur et libérateur de la joie. Il tente de faire perdurer l’énergie qui nous entraîne à travers la fête vers la danse, vers un épanouissement à la fois personnel et collectif. Lors de cette journée, Volmir Cordeiro propose de partager les sources de sa création Trottoir ainsi que les étapes de fabrication de sa danse. Cet échange est traversé par des temps d’exploration de pratiques découvertes lors du processus de création de Trottoir. D’abord formé au théâtre, Volmir Cordeiro intègre la formation Essais en 2011 au CNDC d’Angers - direction Emmanuelle Huynh. Depuis 2017, il est artiste associé au Centre National de la Danse (CND) à Pantin. Il enseigne régulièrement dans des écoles de formation chorégraphique telles que le Master Exerce (ICI-CCN Montpellier, France) et Master Drama (Kask,Gand, Belgique).

La danseuse Julie Anne Stanzak, interprète du Tanztheater de Wuppertal depuis 1986, insuffle à Pau le frisson qui accompagne dans le monde entier le nom prestigieux de la chorégraphe Pina Bausch. À l’initiative du chorégraphe Thierry Escarmant, directeur de la compagnie Écrire un mouvement, la danseuse est présente pour cinq jours de transmission et de rencontre autour du travail de Pina Bausch et en particulier de sa pièce Nelken (1982). Elle propose un parcours en plusieurs temps auxquels les publics sont conviés selon plusieurs modalités, à partir de la Nelken-Line, colonne de danseurs qui avance au son de « West End Blues » de Louis Armstrong. Julie Anne Stanzak anime une conférence autour de la pièce Nelken, avant de proposer un stage sur deux jours et deux ateliers plus courts destinés à transmettre la Nelken-Line aux participants pour une déambulation publique en fin de parcours.

CONFÉRENCE
Julie Anne Stanzak partage son expérience au sein de la compagnie et auprès de Pina Bausch. Elle aborde et présente le travail de la chorégraphe et déploie pour le public les principes de la pièce Nelken à partir d’images vidéo.

STAGE DANSE
Lors d’un stage de deux jours, Julie Anne Stanzak transmet les fondamentaux de la danse de Pina Bausch et forme les participants à relayer au plus grand nombre l’enchaînement de la Nelken-Line afin qu’ils puissent notamment la seconder lors des deux ateliers de transmission au plus large public possible.

ATELIERS DE TRANSMISSION
Les « lignes » sont récurrentes et présentes dans de nombreuses pièces de Pina Bausch. Elles se composent de séquences de mouvements, pas et gestes répétitifs qui se propagent souvent jusque dans le public. Tout le monde est ici le bienvenu pour se joindre au groupe et apprendre les éléments qui composent la ligne la plus célèbre des pièces de Pina Bausch « Printemps, été, automne, hiver », issue de la pièce Nelken, composée en 1982. En France, en Irlande, au Chili, en Espagne, des amateurs de tous âges et de tous niveaux ont répondu à l’appel lancé par la Fondation Tanztheater Wuppertal. Vous aussi, venez nombreux vous joindre à nous pour que le projet continue !

DÉAMBULATION PUBLIQUE

Gilles Amalvi est écrivain, poète et dramaturge. Reconnu dans le champ chorégraphique pour ses textes sur la danse, il écrit pour le Musée de la danse et le Festival d’Automne, notamment à l’occasion d’un portait dédié à la chorégraphe Anne Teresa De Keersmaeker en 2019. Attaché à décrire et à recueillir les paroles de l’artiste à l’occasion de ses dernières créations, il a notamment participé à l’édition du livre Anne Teresa De Keersmaeker : Rosas 2007-2017, publié chez Actes Sud. A partir d’archives vidéo, il retrace pour nous l’émergence de l’œuvre chorégraphique d’Anne Teresa De Keersmaeker dans les années 1980-1990, l’élaboration de sa gestuelle et de ses procédés de composition, calqués aussi bien sur des structures musicales que sur des modèles géométriques ou mathématiques.

« Lorsqu’on visite un musée, on croise souvent des tableaux représentant des scènes de bain, parfois même sans s’en apercevoir. Ces scènes racontent la plupart du temps de vieilles histoires qu’on a un peu oubliées, ou qu’on ne connaît pas du tout... S’y attarder est un bon moyen de faire travailler la mémoire, et de comprendre l’histoire des représentations des corps dans la peinture occidentale. À l’occasion de cette visite du Musée de Beaux-Arts de Pau guidée par Gaëlle Bourges, il s’agira d’initier les (jeunes et moins jeunes) spectateurs.rices à l’histoire de l’art par le biais des histoires anciennes que les tableaux convoquent (mythologie gréco-romaine, Ancien et Nouveau Testament, etc.), de dresser une petite histoire de la représentation des nus dans la peinture européenne, de développer le goût pour les détails présents dans les images. » Gaëlle Bourges

Christophe Honoré, le réalisateur des Chansons d’amour (2007) s’empare avec désinvolture des Métamorphoses d’Ovide. Avec La Belle Personne (2008), il avait déjà transposé le roman de Mme de La Fayette, La Princesse de Clèves, dans un lycée parisien. Il adapte ici très librement les poèmes d’Ovide et les transpose en périphérie urbaine où le quotidien est troué par l’incursion du merveilleux. Un libertinage contemporain audacieux, porté par une troupe de jeunes acteurs amateurs. « […] si l’on se laisse gagner par l’impertinence libertaire du cinéaste, on s’amusera plus d’une fois au spectacle de ces bacchantes en baskets revendiquant leur part de littérature. » Noémie Luciani, Le Monde, 2014. La chorégraphe Gaëlle Bourges présentera, en écho à son propre travail, le film de ce réalisateur dont elle apprécie notamment la polyvalence entre cinéma, théâtre, écriture de romans et livres pour enfants.

Dans cet atelier basé sur des temps de pratique et d’expérimentation, Katerina Andreou propose aux stagiaires une initiation du mouvement à travers les perceptions de notre oreille et notre œil. Cette expérience sensible invite les participants à porter leur attention sur ce qu’ils écoutent et ce qu’ils regardent en privilégiant l’impact immédiat du son et l’impression rapide de l’image. Il s’agira d’explorer comment ces informations données sur l’instant sont reçues, afin de transformer notre manière de bouger et aborder la danse.

Formée au CNDC d’Angers et à l’Université Paris 8 pour un Master de recherche chorégraphique, Katerina Andreou cherche à développer des états de présence qui résultent d’une constante négociation entre des tâches ou des univers contrastés voire contradictoires, remettant en cause les idées d’autorité et d’autonomie, de censure.

« On n’aura jamais eu autant besoin de danser ! » affirmait Ousmane Sy, au moment de la création de One Shot, pièce dédiée au collectif féminin Paradox-Sal. Ce groupe, fondé par l’artiste en 2012, est caractérisé par la diversité des parcours de ses membres, réunies sur une technique de danse et un style de musique communs : la house. À l’occasion de la programmation de One Shot au Foirail, l’une des interprètes de la pièce propose un atelier de découverte de la house dance. Née dans les clubs new-yorkais dans les années 1980, et dansée la plupart du temps en boîtes de nuit, la house se traduit par un riche mélange de pas d’origines très diverses : Salsa, Afro, claquettes… Cette danse se reconnaît par un style léger et aérien. Un moment tonique à partager dans la bonne humeur pour éprouver le temps de quelques pas l’incroyable puissance de vie des Paradox-Sal !

À l’occasion de la présentation de Débandade au Foirail, le danseur Enrique Martin Gil, interprète de la pièce, animera un stage tourné vers le processus de création, avec des exercices d’improvisation autour du corps et de la voix. Ce workshop est une invitation à expérimenter sans entrave et sans prérequis technique. Originaire de Cordobà en Argentine, Enrique Martin Gill est danseur, chorégraphe, comédien et chanteur. Il développe des projets de recherche comme chorégraphe et professeur au sein du Collectif IncandEscenico. Il est interprète pour Mathilde Monnier, Volmir Cordeiro et Olivia Grandville, notamment.